http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_electr%C3%B3nica
La música electrónica' es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación
instrumentos electrónicos y tecnología musical
electrónica. En general, puede distinguirse entre el sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología electrónica también puede ser mezclada. Ejemplos de dispositivos que producen sonido electromecánicamente son el
telarmonio, el
órgano Hammond y la
guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el
theremin, el
sintetizador de sonido y el
ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de
música culta occidental, pero desde finales de los
años 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la
música electrónica de baile.
Finales del siglo XIX hasta comienzos del XX
Con anterioridad a la música electrónica, existía un creciente deseo entre los compositores de utilizar las tecnologías emergentes en el terreno musical. Se crearon multitud de instrumentos que empleaban diseños electromecánicos, los cuales allanaron el camino para la aparición de instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium o Dynamophone) fue desarrollado por Thaddeus Cahill en los años 1898-1912. Sin embargo, como consecuencia de su inmenso tamaño, nunca llegó a adoptarse. Se suele considerar como el primer instrumento electrónico elTheremin, inventado por el profesor Léon Theremin alrededor de 1919–1920.2 Otro primitivo instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, que se hizo conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía Turangalila por Olivier Messiaen. También fue utilizado por otros compositores, especialmente franceses, como Andre Jolivet.En 1878,
Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de
Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros durante algún tiempo,
Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1887. Un invento significativo, que posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica, fue la válvula
audión, del tipo tríodo, diseñada por
Lee DeForest. Se trata de la primera
válvula termoiónica, inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica, y otras variadas aplicaciones.
Nueva estética de la música
En 1907, justo un año después de la invención del tríodo audion, Ferruccio Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre el uso tanto de fuentes eléctricas como de otras en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música, posibles gracias al Dynamophone de Cahill: "solo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse este material desconocido accesible y plástico para la generación venidera, y para el arte".
Como consecuencia de este escrito, así como a través de su contacto personal, tuvo Busoni un profundo efecto en multitud de músicos y compositores, especialmente en su discípulo
Edgard Varèse.
Futurismo
En
Italia, el
futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde un ángulo diferente. Una idea fuerza de la filosofía futurista era la de valorar el "ruido", así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados ni siquiera remotamente como musicales. El "Manifiesto Técnico de la Música Futurista" de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es: "presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad".
El 11 de marzo de 1913, el futurista
Luigi Russolo publicó su manifiesto "
El arte de los ruidos" (en
italiano en original, "L'arte dei Rumori"). En 1914, organizó el primer concierto del "arte de los ruidos" en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como "instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos". En junio se organizaron conciertos similares en París.
1920–1930
Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos así como las primeras composiciones para instrumentación electrónica. El primer instrumento, el Etherophone, fue creado por Léon Theremin (nacido
Lev Termen) entre 1919 y 1920 en Leningrad, aunque fue posteriormente renombrado como el
Theremin. Gracias a él se realizaron las primeras composiciones para instrumento electrónico, opuestas a aquellas realizadas por los que se dedicaban a crear sinfonías de ruidos. En 1929,
Joseph Schillinger compuso su
Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta, interpreatada por primera vez por la
Orquesta de Cleveland y
Leon Theremin como solista.
Además del Theremin, el
Ondes Martenot fue inventado en 1928 por Maurice Martenot, quien debutó en París.
3 El año siguiente,
Antheil compuso por primera vez para dispositivos mecánicos, aparatos productores de ruidos, motores y amplificadores en su ópera inacabada
Mr. Bloom.
La grabación de sonidos dio un salto en 1927, cuando el inventor estadounidense J. A. O'Neill desarrolló un dispositivo para la grabación que utilizaba un tipo de cinta recubierta magnéticamente. No obstante, fue un desastre comercial. Dos años más tarde,
Laurens Hammond abrió una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos. Comenzó a producir el
Órgano Hammond, basado en los principios del
Telharmonium junto a otros desarrollos como las primeras unidades de reverberación.
El método foto óptico de grabación de sonido utilizado en el cine hizo posible obtener una imagen visible de la onda de sonido, así como sintetizar un sonido a partir de una onda de sonido.
1940-1950
Música concreta
Durante la
Segunda Guerra Mundial,
Walter Weber redescubrió y aplicó la técnica
AC bias, que incrementó dramáticamente la fidelidad de las grabaciones magnéticas al añadir una frecuencia alta inaudible. Extendió en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophone K4 hasta 10 kHz y mejoró la
relación señal/ruido hasta 60 dB
7 sobrepasando cualquier sistema de grabación conocido en aquel tiempo.
En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabación en
estéreo.
8 No obstante, estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera de Alemania hasta el final de la Guerra, cuando varios de estos aparatos fueron capturados y llevados a Estados Unidos por
Jack Mullin y otros. Estos grabadores capturados sirvieron de base para los primeros grabadores de cinta profesionales que fueron comercializados en Estados Unidos, el Model 200 producido por la empresa
Ampex.
La cinta de audio magnética abrió un vasto campo de posibilidades sonoras para músicos, compositores, productores e ingenieros. La cinta de audio era relativamente barata y muy confiable, y su fidelidad en la reproducción mejor que cualquier otro medio de audio conocido hasta la fecha. Más importantemente, y a diferencia de los discos, ofrecía la misma plasticidad que la película: puede ser ralentizada, acelerada o incluso reproducirse al revés. Puede editarse también físicamente, incluso sólo segmentos de la cinta. O unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos que reproducen continuamente determinados patrones de material pregrabado. La amplificación de audio y el equipo de mezcla expandieron todavía más allá las posibilidades de la cinta como medio de producción, permitiendo que múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fácilmente para convertirse en
máquinas de eco para producir de modo complejo, controlable y con gran calidad efectos de
eco y
reverberación (lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios mecánicos).
Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para desarrollar una nueva técnica de composición llamada
música concreta. Esta técnica consiste en la edición de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales grabados conjuntamente. Las primera piezas de "musique concrète" fueron creadas por
Pierre Schaeffer, quien colaboró con
Pierre Henry. En 1950, Schaeffer dio el primer concierto (no emitido) de música concreta en la
École Normale de Musique de Paris. Posteriormente ese año, Pierre Henry colaboró con Schaeffer en la
Symphonie pour un homme seul (1950), la primera obra importante de música concreta. En París en 1951, en lo que se convertiría en una tendencia global, RTF creó el primer estudio para la producción de música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera,
Orpheus, para sonidos y voces concretos.
Elektronische Musik
En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, inició actividades en la radio de la
NWDR en 1951, después de que el físico
Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert Beyer y el compositor
Herbert Eimert (que se convertiría en su primer director, hasta 1962), convencieran al director de la NWDR, Hanns Hartmann, de la necesidad de dicho espacio. El mismo año de su creación, 1951, fueron transmitidos los primeros estudios de música electrónica en un programa vespertino de la propia radio y presentados en los
Cursos de Verano de Darmstadt. En 1953 hubo una demostración pública en la sala de conciertos de la Radio de Colonia donde se dejaron escuchar siete piezas electrónicas. Los compositores de los estudios electrónicos eran Herbert Eimert, Karel Goeyvaerts, Paul Gredinger,
Henry Pousseur y
Karlheinz Stockhausen.
El programa comprendía las siguientes piezas:
- Karlheinz Stockhausen: Estudio II
- Herbert Eimert: Glockenspiel
- Karel Goeyvaerts: Composición No. 5
- Henry Pousseur: Sismogramas
- Paul Gredinger: Formantes I y II
- Karlheinz Stockhausen: Estudio I
- Herbert Eimert: Estudio sobre mezclas de sonido
En su tesis de 1949, Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache, Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música enteramente desde señales producidas electrónicamente. De esta manera, la elektronische Musik se diferenciaba abruptamente respecto a la musique concrète francesa, que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas.
Con Stockhausen y
Mauricio Kagel como residentes, el estudio de música electrónica de Colonia se convirtió en un emblema del avant garde, cuando se empezó ya a combinar sonidos generados electrónicamente con los de instrumentos tradicionales. Ejemplos significativos son
Mixtur (1964) y
Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). Stockhausen afirmó que sus oyentes le decían que su música electrónica les daba una experiencia de "espacio exterior", sensaciones de volar, o de estar en "un mundo de ensueño fantástico".
Música electrónica japonesa
Si bien los primeros
instrumentos eléctrico como el
Ondes Martenot, el
Theremin y el
Trautonium eran poco conocidos en
Japón con anterioridad a la
Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su momento, como Minao Shibata. Varios años tras la Segunda Guerra Mundial, diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas.
Tras la creación de la compañía
Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores japoneses,
Toru Takemitsu y Minao Shibata, de modo independiente escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia finales de los años 1940. Hacia 1948, Takemitsu concibió una tecnología que pudiera "traer ruido dentro de tonos musicales atemperados dentro de un pequeño y complejo tubo", una idea similar a la
musique concrète que
Pierre Schaefferhabía aventurado el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera "
sintetizarcualquier tipo de onda de sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento tal, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año, Sony desarrolló el
magnetófono magnético G-Type.
En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un grupo de músicos que querían producir música electrónica experimental utilizando magnetófonos Sony. Entre sus miembros estaban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y
Joji Yuasa, y estaba apoyado por Sony, empresa que ofrecía acceso a la última tecnología de audio. La compañía contrató a Takemitsu para componer
música electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos. Más allá del Jikken Kobo, muchos otros compositores como
Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y Shiro Fukai también estaban experimentando con música electroacústica entre 1952 y 1953.
Música electrónica estadounidense
En Estados Unidos, se utilizaban sonidos creados electrónicamente para diferentes composiciones, como ejemplifica la pieza
Marginal Intersection de
Morton Feldman. Esta pieza está pensada para vientos, metales, percusión, cuerdas, dos osciladores y efectos de sonido.
Música estocástica
Un importante desarrollo lo constituyó la aparación de ordenadores utilizados para componer música, en contraposición de la manipulación o creación de sonidos.
Iannis Xenakis comenzó lo que se conoce como "musique stochastique" o
música estocástica, un método de componer que emplea sistemas matemáticos de probabilidad
estocásticos. Se utilizaban diferentes algoritmos de probabilidad para crear piezas bajo un set de parámetros. Xenakis utilizó papel gráfico y una regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de los
glissandos para su composición orquestal
Metastasis (1953-1954), pero posteriormente pasó a utilizar ordenadores para componer piezas como
ST/4 para cuarteto de cuerda y
ST/48 para orquesta.
Mediados hasta finales de los 1950
En 1954, Stockhausen compuso su Elektronische Studie II, la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora.
El primer computador del mundo en reproducir música fue el
CSIRAC, que fue diseñado y construido por
Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías de música popular. No obstante, el
CSIRAC reproducía un repertorio estándar y no fue utilizado para ampliar el pensamiento musical o para tocar composiciones más elaboradas.
El impacto de los computadores continuó en 1956.
Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron
Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición. Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de
Max Mathews en Bell Laboratories, quien desarrolló el influyente programa
MUSIC I. La tecnología de
vocoder fue otro importante desarrollo de esta época.
El sintetizador
RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en 1957. A diferencia de los primeros Theremin y Ondes Martenot, era difícil de usar, requería una extensa programación, y no podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico, el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de
válvula termoiónica e incorporaba el primer
secuenciador. Fue diseñado por RCA e instalado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center, donse sigue actualmente. Posteriormente,
Milton Babbitt, influenciado en sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento musical" de Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica.
1960-1970
Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la música académica sino también para algunos artistas independientes a medida que la tecnología del
sintetizador iba volviéndose más accesible. Hacia esta época, una poderosa comunidad de compositores y músicos trabajando con nuevos sonidos e instrumentos se había establecido y estaba creciendo. 1960 fue testigo de la composición
Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la premiere de
Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. En
Kontakte, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo acercamiento, que él denominó como "forma momento", recuerda a las técnicas de "cinematic splice" del cine de principios del siglo veinte.
El primer de estos sintetizadores en aparecer fue el
Buchla. Apareciendo en 1963, fue producto del esfuerzo del compositor de música concreta
Morton Subotnick.
El
theremin había sido utilizado desde los años 1920 pero mantenía una cierta popularidad gracias a su utilización en numerosas bandas sonoras de películas de ciencia ficción de los años 1950 (por ejemplo
The Day the Earth Stood Still de
Bernard Herrmann). Durante los años 1960 el theremin hizo aparaciones ocasionales en la música popular.
En Reino Unido en este período, el
BBC Radiophonic Workshop (creado en 1958) emergió como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie de ciencia ficción
Doctor Who. Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes de este período fue
Delia Derbyshire. Es famosa por su icónica ejecución en 1963 del tema central de
Doctor Who, compuesto por
Ron Grainer, según algunos la pieza más conocida de música electrónica del mundo. Derbyshire y sus colegas, entre los que se encuentran
Dick Mills,
Brian Hodgson (creador del efecto de sonido
TARDIS),
David Cain,
John Baker,
Paddy Kingsland y
Peter Howell, desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras, atmósferas, sintonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio.
Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador (llamada Composition for Synthesizer) que fue creada mediante el RCA en el CPEMC. La colaboraciones ocurrían superando las barreras de los océanos y de los continentes. En 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC). Fue asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel. La intensa actividad del CPEMC y en otros sitios inspiró la creación en San Francisco del Tape Music Center en 1963 por Morton Subotnick, con otros miembros adicionales como Pauline Oliveros, Ramón Sender, Terry Riley y Anthony Martin. En el otro lado del Atlántico tuvo lugar el Primer Seminario de Música Electrónica, en 1964 en Checoslovaquia, organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen.En 1961
Josef Tal creó el
Centre for Electronic Music in Israel en la
Universidad Hebrea, y en 1962
Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su
Creative Tape Recorder en el centro.
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Se siguieron desarrollando nuevos instrumentos. Uno de los más importantes avances tuvo lugar en 1964, cuando
Robert Moog introdujo el
sintetizador Moog, el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje.
Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado, llamado
Minimoog, que fue utilizado por multitud de compositores y universidades, haciéndose muy popular. Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum
Switched-On Bach de
Wendy Carlos.
En 1966
Pierre Schaeffer fundó el
Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica. Su programación está estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión, investigación y creación de la música contemporánea y las tendencias en videoarte e imagen más actuales. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfícies de audio-video y una plantilla de músicos y video artistas nacionales e internacionales abiertos al uso de tecnologías punta.
Música por ordenador
CSIRAC, el primer computador en tocar música, lo hizo públicamente en agosto de 1951.
11 Una de las primeras demostraciones a gran escala de lo que se conoció como
computer music (en
inglés, "música por ordenador") fue una emisión nacional pre grabada en la red
NBC para el programa
Monitor el 10 de febrero de 1962. En 1961,
LaFarr Stuart programó el ordenador
CYCLONE de la
Universidad del Estado de Iowa (un derivado del
Illiac) para tocar canciones sencillas y reconocibles a través de un altavoz amplificado adherido a un sistema originalmente utilizado para temas administrativos y de diagnóstico.
Los últimos 1950, los años 1960 y la década de 1970 vieron también el desarrollo de grandes marcos operativos para síntesis informática. Desde 1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló los programas MUSIC, culminando en
MUSIC V, un lenguaje de síntesis directa digital.
En París,
IRCAM se convirtió en el principal centro de investigación de música creada por computador, desarrollando el sistema informático
Sogitec 4X,
12 que incluía un revolucionario sistema de procesamiento de señal digital en tiempo real.
Répons (1981), obra para 24 músicos y 6 solistas de
Pierre Boulez, utilizó el sistema 4X para transformar y dirigir a los solistas hacia un sistema de altavoces.
Electrónica en vivo
En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primer vez en los años 1960 por miembros del Milton Cohen's Space Theater en
Ann Arbor, Míchigan, entre los que estaban
Gordon Mumma y
Robert Ashley, por individuos como
David Tudor hacia 1965, y The Sonic Arts Union, fundada en 1966 por Gordon Mumma, Robert Ashley,
Alvin Lucier y
David Behrman. Los festivales ONCE, que mostraban música multimedia para teatro, fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969. En 1960,
John Cage compuso
Cartridge Music, una de las primeras obras de electrónica en vivo.
Los compositores y músicos de
jazz Paul Bley y
Annette Peacock fueron de los primeros en tocar en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia finales de los 1960. Peacock hacía un uso regular de un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de estudio.
Sintetizadores.
Moog, a finales de 1963, conoció al compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el "Sintetizador Modular Moog" (en inglés: Moog Modular Synthesizer).
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El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue presentado en sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio (Audio Engineering Societen) celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió sus primeros pedidos, y el negocio despegó.
La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años, haciéndose más conocida cuando Wendy Carlos edita el álbum Switched on Bach. Bob diseño y comercializó nuevos modelos, como el Minimoog la primera versión portátil del Moog Modular, el Moog Taurus (teclado de pedales de una octava de extensión, con transposición para bajos y agudos), el PolyMoog (primer modelo 100% polifónico), el MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis MiniMoog's en uno), el MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc.
Moog, no supo gestionar bien su empresa y esta paso de tener listas de espera de nueve meses a no recibir ni un sólo pedido. Agobiado por las deudas, perdió el control de la empresa, que fue adquirida por un inversionista, aunque continuó diseñando instrumentos musicales para él hasta 1977, cuando abandonó Moog Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin Bob, la Moog Music se fue a pique poco después.
KORG,en 1967 Kato se acercó al Ingeniero Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en la construcción de teclados musicales. Impulsado por el entusiasmo de Mieda, Kato le pidió construir un prototipo de teclado y 18 meses después Mieda le presentó un órgano programable. La compañía Keio vendió este órgano bajo la marca Korg, hecha de la combinación de su nombre con la palabra órgano, en inglés (Organ).
Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60' y principios de los 70' pero, consciente de la competencia con los grandes fabricantes de órganos ya establecidos, Kato decidió usar la tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al mercado de los sintetizadores. De hecho, el primer sintetizador de Keio (MiniKorg) fue presentado en 1973. Después del éxito de este instrumento, Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo durante los años 70' y 80' bajo la marca Korg.
1970-1980
Nacimiento de la música electrónica popular
A lo largo de los años setenta, bandas como
The Residents y
Can abanderaron un movimiento de música experimental que incorporaba elementos de música electrónica. Can fue uno de los primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo y The Residents crearon sus propias cajas de ritmos. También en los años 1970 diferentes bandas de rock, desde
Genesis hasta
The Cars, comenzaron a incorporar sintetizadores en sus arreglos de rock.
En 1979, el músico
Gary Numan contribuyó a llevar la música electrónica a un público más amplio con su hit pop "
Cars" del álbum
The Pleasure Principle. Otros grupos y artistas que contribuyeron en esta época significativamente a popularizar la música creada exclusiva o fundamentalmente de modo electrónico fueron
Kraftwerk,
Depeche Mode,
Jean Michel Jarre,
Mike Oldfield o
Vangelis.
Nacimiento del MIDI
En 1980, un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una interfaz a través del que diferentes instrumentos pudieran comunicarse entre ellos y el ordenador principal. El estándar se denominó MIDI (
Musical Instrument Digital Interface). En agosto de 1983, la especificación 1.0 de MIDI fue finalizada.
La llegada de la tecnología MIDI permitió que con el simple acto de presionar una tecla, controlar una rueda, mover un pedal o dar una orden en un micro ordenador se pudieran activar todos y cada uno de los dispositivos del estudio remotamente y de forma sincronizada, respondiendo cada dispositivo de acuerdo a las condiciones prefijadas por el compositor.
Miller Puckette desarrolló un software para el procesamiento gráfico de señal de 4X llamado
Max, que posteriormente sería incorporado a
Macintosh (Dave Zicarelli lo extendió a
Opcode)
14 para control de MIDI en tiempo real, haciendo que la composición algorítmica estuviera disponible para cualquier compositor que tuviera un mínimo conocimiento de programación informática.
Síntesis digital
En 1979 la empresa australiana
Fairlight lanzó el
Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), el primer sistema práctico de
sampler polifónico digital. En 1983,
Yamahaintrodujo el primer sintetizador digital autónomo, el
DX-7. Utilizaba síntetis de modulación de frecuencia (síntesis FM), probada por primera vez por
John Chowning en Stanford a finales de los años 1960.
1980 - 1990
Crecimiento de la música dance
Hacia finales de los
años 1980, los discos de música de baile que utilizaban instrumentación exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares. Esta tendencia ha continuado hasta el presente, siendo habitual escuchar música electrónica en los
clubs de todo el mundo.
Avances
En los
años 1990, comenzó a ser posible llevar a cabo actuaciones con la asistencia de ordenadores interactivos. Otros avances recientes son el la composición
Begin Again Again de
Tod Machover (MIT y IRCAM) para hyper chelo, un sistema interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del chelista. Max Methews desarrolló el programa "Conductor" para control en tiempo real del tempo, la dinámica y el timbre de un tema electrónico.
Desde 2000
En esta década surgen diferentes entornos virtuales de estudio construidos sobre software, entre los que destacan productos comoReason de Propellerhead y Ableton Live, que se hacen cada vez más populares. Estas herramientas proveen de alternativas útiles y baratas para los estudios de producción basados en hardware. Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores, se hace posible crear música de elevada calidad utilizando poco más que un solo ordenador. Estos avances han democratizado la creación musical llevando a un incremento masivo en la producción musical casera disponible para el público en internet.A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el
software musical avanza, la producción musical se hace posible utilizando medios que no guardan ninguna relación con las prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre con los conciertos, extendiéndose su práctica utilizando
ordenadores portátiles y
live coding. Se populariza el término
Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos.
El avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos antiguamente solo existentes como
hardware estén ahora disponibles como piezas virtuales, herramientas o
plug ins de los
software. Algunos de los
softwares más populares son
Max/Msp y
Reaktor, así como paquetes de
código abierto tales como
Pure Data,
SuperCollider y
ChucK.
Los avances en la miniaturización de los componentes electrónicos, qué en su época facilitaron el acceso a instrumentos y tecnologías usadas solo por músicos con grandes recursos económicos, han dado lugar a una nueva revolución en las herramientas electrónicas usadas para la creación musical. Por ejemplo, durante los años 90 los teléfonos móviles incorporaban
generadores de tonos monofónicos que algunas fábricas usaron no solo para generar los
Ringtones de sus equipos sino permitían a sus usuarios algunas herramientas de creación musical. Posteriormente, los cada vez más pequeños y potentes computadores portátiles, computadores de bolsillo y PDA´s abrieron camino a las actuales
Tablets y teléfonos inteligentes que permiten no solo el uso de generadores de tono sino a otras herramientas como samplers,
sintetizadores monofónicos y polifónicos,
grabación multipista etc. que permiten la creación musical en casi cualquier lugar.
